工艺美术运动兴起前产品设计面临的困境-建筑史（第二部分）第2.2部分：工艺美术运动和新艺术运动

水晶宫取得了巨大的成功，令英国人满意，但并非所有人都满意。 威廉·莫里斯对展会上的工业产品不满意。 他认为这些产品都是伪劣产品，但他把产品质量问题归咎于工业革命本身和资本主义制度。 他认为中世纪的手工制品更加美丽、令人愉悦。 他认为当时的工人是自由的、自豪的卡通人物，不像大工业的工人处于被奴役的状态。 他并不是唯一发现产品问题的人，世博会主办方中的几位人士也有高度一致的认识。 例如，欧文·琼斯抱怨说，“建筑师、家具工厂、壁纸工厂、纺织工厂、印花布工厂、瓷器工厂”制造出“丑陋的怪癖，或者愚蠢的华而不实”。 （“新颖而无美感，或美而无智慧。”）

这场运动首先是建筑、家具、壁纸、纺织品、印花布、陶瓷等应用艺术领域的设计改革运动，目的是提高应用艺术的艺术品质。 具体问题是：装饰对象和被装饰对象之间正确的关系是什么？ 应该采用什么装修主题？ 其次，这场运动也是一场社会改革运动，即其目标是直接走向工业化，又是反工业化； 莫里斯等人认为，产品之所以不美观，是工业化造成的。 所以他首先要抵制工业化，希望回到中世纪。 这是他的目标。 这并不是所有人的目标，但他的想法在当时的英国很受欢迎。 工艺美术运动这个名称大约出现在20多年后，即1887年，当时TJ Cobden-Sanderson在工艺美术展览协会（Arts and Crafts Exhibition Society）的一次会议上发表讲话。 它首次以这种方式使用，并于1888年11月在伦敦新画廊举办了第一次展览。

这场运动的基调很大程度上是由三个人的想法决定的。 他们是建筑师 AWN Pugin（1812-1852）、作家艺术评论家约翰·拉斯金（John Ruskin）（1819-1900）和设计师威廉·莫里斯（William Morris）（1834-1896）。

皮金是三人中最年长的一个，运动开始时他已​​经去世了。 他是哥特式复兴运动的领导者，反对文艺复兴风格，认为它是一种陌生和虚假的形式，并提出了设计的三个原则：truth tomaterial、structural和function（对材料、结构和功能的真实性）。 1843 年，他为自己的家设计的不对称简化哥特式风格为工艺美术运动树立了典范。 从中我们可以看到红房子的影子。 皮金将现代社会与中世纪作为其对立面，例如城市的发展和穷人的苦难。 这种人道主义成为拉斯金、莫里斯和工艺美术运动标志性的政治正确性。

面对工业产品的丑陋，这一时期的人们（尤其是中产阶级和上层阶级）仍然倾向于认为装饰仍然是不可缺少的，还没有达到现代主义的“认识高度”：将所有装饰扫进历史垃圾堆。 废除装饰成为审美主流需要一定的历史条件。 首先是低收入工薪阶层成为真正的消费主流； 二是一些历史事件带来的快速住房建设的紧迫性，例如芝加哥火灾和摧毁城市主要建筑的战争。 三忠原则在当时的英国很好地解决了装饰物与被装饰物的关系问题。 装饰必须为被装饰的对象服务，不能虚假或掩盖对象。 从艺术史的角度来看，这为现代主义铺平了一半道路，并最终推翻了装饰。

鸽子在英国肯特郡拉姆斯盖特的画眉田庄设计了自己的家。 来自维基百科

拉斯金认为，工业革命中的机械化生产和劳动分工是奴性的（维基百科）和不诚实的； 相反，一个健康、道德的社会需要独立的劳动，生产者和设计者合二为一，产品他们也获得了自己的尊严。 他最重要的著作《威尼斯之石》是一部威尼斯建筑史，他在其中明确表达了自己的价值观。 画一幅拉斯金的漫画：他背对着大工业时代，嘴里咒骂着机器，脸对着前工业时代锻造生铁的火，双手小心翼翼地持有他们所谓的手工制作的艺术品和工艺品。

莫里斯是这场运动的标杆人物，发挥着最关键的作用。 他用自己的辛勤劳动发动了一场反对工业社会的圣战。 他首先尝试了各种工艺品、家具和室内装饰。 他不仅设计，还亲自参与制作。 他声称工艺美术运动兴起前产品设计面临的困境，在他亲自掌握适当的技术和材料之前，不应在他的工作室中进行任何工作。 将生产和设计相结合是工艺美术运动的标志性操作，也是对现代设计的贡献。 这一传统一直传承到包豪斯学校。

当然，莫里斯对中世纪作坊生产方式的排他性推崇，对现代大规模生产方式的反对，实际上是一种手工艺的复兴工艺美术运动兴起前产品设计面临的困境，因此被后人嘲笑为Wrenaissance（锻造+文艺复兴）。 早在1861年，莫里斯公司的工厂就开始将他认为实验成功的家具和装饰品投入市场。 另一个重要问题：什么装修风格和主题？ 莫里斯的答案是向中世纪学习，造型大胆，色彩丰富，经常使用植物和动物图案。 自然界中的植物、动物图案都是弯曲的。 这种风格和主题直接启发了欧洲大陆的新艺术运动。

莫里斯的产品参加了1862年伦敦世界博览会，大受欢迎； 他们一开始为他赢得了许多教堂、博物馆和王宫的合同，后来得到了中产阶级和上流社会的高度认可。 这是相当矛盾的。 他反对资本主义制度，同情工人阶级。 像工艺美术运动的许多设计师一样，他是一名社会主义者。 后期他几乎全面参与社会主义运动，不再有精力致力于设计改革活动（维基百科）。 这说明传统手工艺在后工业化的英国仍然有市场，在消费能力最强的上流社会中占据着份额。 英国一直保留着贵族制，这是英国社会一贯保守的根源。 可以理解的是，即使在今天，英国最好的汽车劳斯莱斯仍然声称是手工制作的。

Morris & Co. 默顿工厂的织布棚（1880 年代）。 来自维基百科

莫里斯 (Morris) 位于贝克斯利希斯 (Bexleyheath) 的乡间别墅红屋 (Red House) 由菲利普·韦伯 (Philip Webb) 设计，于 1860 年竣工，可以说是工艺美术运动中最重要的建筑。 如果我们要总结工艺美术运动的建筑倾向，我们可以看到以下几个特点：

1.反对希腊罗马文艺复兴风格，尤其是古典柱式风格，一般不使用优惠券。 如果必须使用，最好使用尖券（哥特复兴）而不是半圆形券（罗马复兴）。

2、反对为了装饰而装饰，提倡忠实于材料、结构、功能的装饰。

3、宁可有曾经不受欢迎的具有地方特色的乡土建筑，也不要有放之四海而皆准的文艺复兴建筑。

威廉·莫里斯来自维基百科

贝克斯利希思的红屋由菲利普·韦伯 (Philip Webb) 为威廉·莫里斯 (William Morris) 设计（1860 年竣工）。 来自维基百科

1881年，Eglantyne Louisa Jebb、Mary Fraser Tyler等人发起了家庭艺术与工业协会，鼓励工人阶级，特别是农村地区的工人阶级在指导下生产手工艺品。 其目的并不纯粹是为了赚钱，而是为他们提供就业机会，提高他们的审美观。 到1889年，共有450个班级，1000名教师和5000名学生。 此后，英国成立了130个工艺美术协会、行会或其他组织，其中大部分成立于1895年至1905年间。一些协会或行会还开设学校，培养符合价值观的学徒。工艺美术运动，提高应用艺术的地位并将其与美术结合起来。

工艺美术运动从伦敦传播到英国，再从英格兰传播到不列颠群岛，然后传播到世界各地。 然而，即使在不列颠群岛内部，该运动涉及的制造范围和装饰主题也有很大差异。 例如，在苏格兰，主要影响是教堂的彩色玻璃。 有两个人物不得不提。 其中一位是理论家克里斯托弗·德莱瑟（Christopher Dresser，1834-1904），他是最早、最重要的独立设计师，也是这一运动的关键人物。 他也是英日运动的主要推动者。 该运动在苏格兰绽放出一朵“奇葩”ip形象，即以格拉斯哥艺术学院为中心、具有世界影响力的“格拉斯哥学派”。 另一个人是格拉斯哥学派的代表人物查尔斯·雷尼·麦金托什（Charles Rennie Mackintosh，1868-1928）。 格拉斯哥学派取得了两项世界性的成就，一是艺术学院的建筑以及相关的室内和家具设计，二是格拉斯哥玫瑰等图案的流行。 与英格兰当地的哥特复兴相比，苏格兰是凯尔特复兴。 苏格兰比英格兰更受日本艺术的影响。

弗兰克·谢勒 (Frank Sherer) 设计了位于纽敦的罗伯特·欧文博物馆 (Robert Owen Museum)。 来自维基百科

威尔士这场运动的范围主要是陶器。 与不列颠群岛的其他地方相比，手工艺已经被废弃到了需要复兴的地步。 在威尔士，到19世纪中叶，当地工匠仍在使用代代相传的厚盐釉。 虽然面对规模化产业来势汹汹所产生的低价竞争，似乎并不那么新潮。 这一运动为这些传统的当地手工艺赋予了新的生命。

爱尔兰在这场运动中最明显的特征，除了文学之外，就是宣扬民族主义，以及与苏格兰类似的彩色玻璃。 建筑领域的民族主义运动以科克大学为中心。

在英语国家的美国，这场运动也非常不同，几乎在所有方面重新诠释了艺术理想； 最大的区别是美国人不像英国人那样讨厌机器。 他们声称，工艺美术运动装饰艺术简约而精致的美学将提升工业消费主义的新体验，使个人更加理性，社会更加和谐。 他们拥有比欧洲更多的相信进步主义的中产阶级。 美国的另一个特点是参与这一运动的女性远多于欧洲。 首届美国工艺美术展于 1897 年 4 月 5 日在波士顿科普利大厅举行，展出了 160 名工匠制作的 1000 多件物品，其中一半是女性。 建筑上，除了赖特等芝加哥建筑师设计了被称为草原学校的建筑群外，乡村风格的建筑也在各地不断涌现。

云中城堡的正面和俯瞰新罕布什尔州温尼珀索基湖的草坪（1913-4）。 来自维基百科

都铎艺术和工艺品屋位于芝加哥上城区布埃纳公园历史区。 来自维基百科

位于俄亥俄州托莱多附近伯克黑德广场的工艺美术屋。 来自维基百科

在整个欧洲大陆，这场运动促进了民族风格的复兴和保存。 特别是它的历史背景是，1871年德国统一，而奥匈帝国和俄罗斯帝国本来就是多民族国家，当时民族独立运动风起云涌。

工艺美术运动从不列颠群岛传播到欧洲大陆，首站是比利时。 1890年代，比利时涌现了一批引人注目的建筑和室内设计作品。 主要设计者包括保罗·汉卡、亨利·范德维尔德、维克多·维克多·奥尔塔。 其中尤以奥尔塔设计的流苏酒店影响最大。 这种新的艺术时尚随后迅速传播到法语区巴黎。 1895年，法德裔艺术品经销商西格弗里德·宾（Siegfried Bing）在巴黎开设了一家名为“新艺术之家”（Maison de l'Art Nouveau）的画廊，展出这件新作品。 时尚的艺术作品，“新艺术”这个名字变得家喻户晓。 因此，比利时和法国相应的运动被称为新艺术运动。

Bloemenwerf House (1895) 由亨利·范德维尔德 (Henry Vandervelde) 设计。 来自维基百科

由 Henry van der Velde 为 Bloemenwerf House 设计的椅子。 来自维基百科

维克多·奥尔塔（Victor Horta，1892-1893）设计的塔塞尔之家的正面。 来自维基百科

塔塞尔之家的楼梯由维克多·奥尔塔设计。 来自维基百科

齐格弗里德·宾的新美术馆（1895）。 来自维基百科

与不列颠群岛一样，这场运动涉及建筑和应用艺术的各个领域，但比利时和法国在铁艺方面尤其成功。 这些艺术家不仅在思想上受到英国拉斯金和威廉·莫里斯的影响，而且还受到法国著名的反学院、反折衷、反历史的建筑师欧仁·埃马纽埃尔·维奥莱的影响。 -勒杜克，1814-1879）。 在他于 1872 年出版的《Entretienssurl'architecture》一书中，他说道：“利用我们这个时代赋予我们的手段和知识，并且不受今天不再适用的传统的束缚，我们可以为每种功能创造一种新的材料。 ；每种材料都有它的形式和装饰。这本书影响了一代建筑师，如路易斯·沙利文、维克多·奥尔塔、赫克托·吉马德和安东尼·高迪。事实上，他的话与皮金的忠于材料、功能三原则基本相同、结构，而沙利文的口号“形式追随功能”可以看作是杜克·维奥莱特这句话的高度浓缩版。

受莫里斯动植物装饰题材的影响，新艺术风格也走自然主义路线，以植物和花卉的曲线为主，在铁艺上显得像鞭痕，所以又被戏称为鞭打。 Stylecoupdefouet 或 Stylenouille。 通常比英国人更强调不对称，更注重运动。 现代材料的使用，特别是铁、玻璃、陶瓷和后来的混凝土，创造了不寻常的形式和更大的流通空间（由于结构技术的进步，承重墙系统被打破）。 除了使用现代材料和放弃希腊罗马历史主义主题外，这种艺术目的仍然属于浪漫的巴洛克和洛可可潮流。

阿贝斯地铁站入口，由 Hector Guimard 为 1900 年巴黎世界博览会设计。 来自维基百科

南锡的马若雷勒别墅由建筑师亨利·索瓦奇（Henri Sauvage，1901-02 年）为家具设计师路易斯·马若雷勒设计。 来自维基百科

位于巴黎拉普大道 29 号的 Laverot 大厦入口（1901 年），由 Jules Laverot 设计。 来自维基百科

圣彼得堡欧洲大酒店的餐厅（1910 年）。 来自维基百科

J. jurriaan Kok 设计了 ​​WR Sterken 装饰瓷花瓶（1901 年）。 来自维基百科

从艺术史的角度来看，文艺复兴将古典时期以来属于工匠世界的建筑纳入绘画、雕塑的艺术家族，并称其为三大艺术； 而工艺美术运动和新艺术运动则带来了工业革命以来大量的建筑图形艺术（海报、书籍封面、插图）、壁纸、家具、瓷器、珠宝、金属制品（包括铁艺）的出现而其他实用艺术（或工艺美术）也被纳入艺术家族，使得它们和三大艺术平起平坐。 德国人强调所有这些艺术的统一，尤其是在建筑中。 使用的所有艺术形式和建筑形成了共同的风格（维基百科）。 格罗皮乌斯创立包豪斯学校时，当时还没有建筑专业。 他声称一切艺术的最终目标是建筑。 既然建筑是所有这些艺术的最终目标，那么风格的统一就成为必然的目标。 这种对统一的追求成为现代主义的主导思想。

平面艺术可以说是工业革命后的新生事物。 它是一种在工艺美术运动和新艺术运动中受到广泛重视的艺术形式。 新艺术运动除了受到不列颠群岛的影响外，还受到当时非常流行的日本主义的启发。 日本木版印刷，特别是广重、葛饰北斋和歌川国贞的作品，于 1870 年代开始进入欧洲。 齐格弗里德·宾于1888年创办月刊《Le Japon artique》（日本艺术），共出版36期，1891年停刊，影响了古斯塔夫·克里姆特等欧美收藏家和艺术家。 日本版画风格出现在新艺术风格的图形艺术、瓷器、珠宝和家具中。 日本首次参加1862年伦敦世界博览会，从此伦敦或巴黎的艺术爱好者可以购买日本艺术品（维基百科）。

由歌川国定设计的日本木刻版画（1850 年代）。 来自维基百科

1897 年布鲁塞尔世界博览会的海报由 Henri Privat-Livemont 设计。 来自维基百科

新艺术运动以1900年的巴黎世界博览会达到顶峰，随后传播到全世界，形成了一种新的时尚，一直持续到第一次世界大战开始。在德国和斯堪的纳维亚半岛，这种新时尚又被称为Reformstil和Jugendstil（以同名杂志命名）。 在奥匈帝国，它被称为维也纳青年风格（WienerJugendstil）或分离派风格（Secessionsstil）。 在意大利，主要称为Liberty风格，因为伦敦Liberty公司的创始人名叫Arthur Lasenby Liberty。 在美国，由于美国人路易斯·康福特·蒂芙尼自己公司的产品在1900年巴黎世界博览会上名声大噪，因此有时被称为“蒂芙尼风格”。 在荷兰，它被称为新艺术风格（NieuweKunst）或新风格（NieuweStijl）。 它在西班牙加泰罗尼亚地区被称为“Modernisme”，在其他地区被称为“Artejoven”。 在瑞士它被称为松木风格（StyleSapin）。 在俄罗斯，它被称为现代或世界艺术风格。 在日本它被称为Shiro-Uma风格。

1900 年巴黎世界博览会的主入口。 来自维基百科

自工艺美术运动和新艺术运动以来，现代建筑等艺术时尚的兴起往往与一次著名的展览或艺术圈内有影响力的媒体（期刊等）的推广有关。 这一传统一直延续至今。 其实，根源在于消费主义。 工业革命后的社会进入了现代消费社会。 这是我们在研究艺术时尚或风格时需要注意的。 某个流派或者某种风格往往涉及一个艺术家圈子，而这个圈子里的个人严格意义上并不一定属于同一个风格。 存在一定的个体差异； 因为现代社会是一个多元化的社会。 以工艺美术运动为例，苏格兰和英格兰之间存在明显差异，美国和不列颠群岛之间也存在很大差异。 相反，来自不同流派或风格的艺术家也可能彼此高度相似。 例如，赖特在所谓草原学派时期设计的建筑、室内装饰和家具，与格拉斯哥学派的查尔斯·雷尼·麦金托什和维也纳分离派（WienerSecessionsstil）的约瑟夫·霍夫曼的作品没有什么区别。其他。 不仅因为它们同属于工艺美术运动和新艺术运动的主要艺术思潮，而且因为它们都带有日本建筑和艺术的深刻印记。

第一次世界大战结束了这一运动，从战争的废墟中出现的是现代主义建筑。 20世纪50、60年代，当现代主义广泛流行并逐渐变得乏味和批判时，工艺美术运动和新艺术运动的克制装饰和注重地方特色再次受到批评。 重新觉醒，前者被称为装饰艺术风格，后者被称为后现代主义中的地域主义。 直到今天，他们仍然充满活力。

2023 年 7 月 11 日

在成都